Blog de JaZz

« Le long voyage de Léna ». Du jazz en BD. Le saxophoniste met en valeur le récit, entre musique écrite et improvisation. À 18h15.

« Mélody Gainsbourg ». L’anglais Andy Sheppard rend hommage à Serge Gainsbourg. À 19h45, complet.
Dave Douglas quintet. Le grand trompétiste Dave Douglas se sent aussi à l’aise dans les musiques des Balkans que dans l’hommage à Miles Davis. À 21h45, complet.
Tinariwen. Le groupe Touareg du Mali vient souffler sur Coutances son « blues du désert » et l’histoire de son peuple. À 22h30, complet.
Minivan. Lauréat du prix Paris jeunes Talents, ce groupe joue à la frontière du jazz, de la jungle, de l’électro et de la pop. À 0h30.
Jazz five. Saxo, trombone, contrebasse, batterie et piano vont envoyer du son, entre répertoire hard bop et compositions personnelles. À 0h30.

Scène avis aux amateurs, de 18h à minuit.

Depuis sa création, le Festival de Jazz au Chellah, qui sera à sa 13ème année en 2008, s’impose comme un événement incontournable de la scène culturelle de la capitale et du Maroc tout entier. Organisé depuis 1996 conjointement par la Délégation de la Commission européenne au Maroc et les ambassades et instituts culturels des États membres de l’Union européenne, en partenariat avec le ministère de la Culture et la Wilaya de Rabat Salé, ce festival est un témoignage concret du partenariat culturel Europe-Maroc.

L’association Jazz pour tous s’installe pour la quatrième fois de sa saison au Grand théâtre. Sur scène, le Fabien Mary octet.

De jeunes virtuoses de Québec font se rencontrer l’univers musical de Django Reinhardt avec les grands succès des années 1980. Jouissif!

À eux trois, ils forment un puissant anachronisme musical. Ils incarnent le mariage incongru de deux univers antinomiques: celui des rythmes tziganes à la Django Reinhardt et celui de la boule-miroir des années 80. Deux mondes irréconciliables n’eût été la furieuse curiosité musicale de trois virtuoses et amoureux du jazz manouche.

Ces trois drôles de zigues, ce sont les membres des Lost Fingers. Trois adorateurs de Django, qui ont baptisé leur groupe en référence aux deux doigts que le roi du swing tzigane a perdus dans l’incendie de sa roulotte à l’âge de 20 ans. Une tragédie qui n’a pas empêché Reinhardt de devenir, avec ses doigts restants, l’un des plus influents guitaristes de toute l’histoire du jazz et une icône que les tziganes vont aduler chaque année jusque sur sa tombe de Samois-sur-Seine.

Avec The Lost Fingers, on est donc en terrain connu. En fait, on n’est pas perdus du tout. Quand la pompe à deux temps propre au rythme manouche s’emballe et entraîne dans son sillage la guitare Selmer dans de frénétiques solos chromatiques, l’univers tout entier de Django envahit nos tympans. Puis, tout à coup, un vague sentiment de déjà-entendu nous titille l’oreille. Notre mémoire auditive se trouve soudainement en proie à un puissant trouble de la personnalité musicale.

C’est que les trois jazzmen des Lost Fingers se sont coincé les doigts dans des succès des années 80, pour leur plus grand bonheur et le nôtre. Entre deux volées d’arpèges diminués s’impriment sur leur manouche festif les mélodies de Billie Jean (Michael Jackson), de Tainted Love (Soft Cell), de Touch Me (Samantha Fox), ou même de Pumping Up The Jam (Technotronic)! D’où cette vague impression de connaître sans connaître.

Leurs parodies sont à ce point bien ficelées qu’on en oublie presque le kitsch fini de la version originale et qu’on bénit ces dieux de la guitare d’avoir tiré du cimetière ces oubliés du palmarès des années 80. Sourire en coin, on laisse l’avalanche de notes débouler dans nos oreilles béates et le rythme gitan nous donner des fourmis dans les jambes.

De la musique plein les doigts

Il y a à peine un an, le trio de cordes qui rallie Christian Roberge, Byron Mikaloff — deux guitaristes classiques formés au Conservatoire de musique de Québec — et le contrebassiste Alex Morrissette (Université Laval) commençait à peine à trimballer son swing manouche dans les bars, les réceptions et les mariages. Un soir, Roberge, le chanteur du groupe, eut soudain la drôle d’idée d’entonner un classique des année 80, pour amuser la foule.

«Byron et moi, nous faisions du jazz manouche ensemble depuis longtemps. On s’est tout à coup amusés à trouver des classiques des années 80. On s’est battus pour choisir les pièces tellement il y avait un grand choix! Même si le tempo est souvent similaire à la version originale, on a varié les rythmes. Parfois, on a changé carrément l’harmonie», explique Christian Roberge, la voix chaude des Lost Fingers.

Remaniés façon The Lost Fingers, des tubes comme Careless Whisper (George Michael), You Shook Me All Night Long (AC/DC) ou Part Time Lover (Stevie Wonder) deviennent sous leurs doigts des pièces quasi méconnaissables.

Douze mois après leur introduction par effraction dans l’univers chromé des années 80, ces fous du jazz avaient amassé assez de matériel pour produire un disque complet. «Quand ils ont fait Touch Me de Samantha Fox, la salle a trouvé cela tellement drôle! De fil en aiguille, ils ont adapté d’autres chansons. J’ai fait écouter ça à Paul Dupont-Hébert et ça lui a plu tout de suite», explique leur gérant, Richard Samson, réalisateur de leur premier disque et propriétaire de l’Impérial de Québec.

Tellement plu, en fait, qu’Hébert, propriétaire de l’étiquette Tandem (qui diffuse Pascale Picard, Duo Dubois, Francis Cabrel), a craqué et leur a proposé illico de produire leur premier disque. Comme ça. Les trois musiciens de la région de Québec ont récemment fait un tabac à Montréal en première partie de Pascale Picard au Club Soda, les 18 et 19 avril derniers, avec leur manouche travesti en new wave, en R&B et en rock.

Le lendemain de leur apparition au Club Soda, le site du groupe, hébergé par myspace.com, a reçu quelque 800 visites par jour. Hébert, un proche de René Angélil, leur a proposé d’inclure à leur premier disque au moins une chanson en français tirée des années 80. Le choix s’est arrêté sur Incognito de Céline Dion. Un choix qui se discute, mais bon. La voix jazzée de Roberge, les envolées de guitares et la contrebasse alerte font vite oublier l’insipidité de la version originale. Et on sourit.

«C’est un groupe qui ratisse large et qui rejoint autant les fans de musique manouche que ceux qui ont connu la musique des années 80, avec AC/DC, Jackson et tous les autres. Ça démocratise le jazz manouche», affirme Richard Samson.

Ces émules déjantés de Biréli Lagrène et de Django viennent d’être choisis par le Festival international de jazz de Montréal pour animer le Cabaret 5 à 7 qui se tiendra tous les soirs dans la tente-miroir qui sera dressée sur la nouvelle place des Festivals, angle Jeanne-Mance et Maisonneuve. Ils iront aussi gratter leurs caisses du côté du Festival d’été de Québec les 3 et 4 juillet, et plus tard au Festival international des guitares du monde de l’Abitibi.

«Notre rêve, ce serait de rencontrer Woody Allen, qui va venir jouer avec son band», rêve tout haut Alex, le cadet du groupe, étudiant en programmation d’ordinateur. Même si les événements se précipitent pour The Lost Fingers, cela n’a pas empêché son collègue Christian Roberge, 32 ans, de terminer ces derniers mois son doctorat en biologie.

Des projets de tournées avec Pascale Picard, qui se prépare à faire le saut en Europe et aux États-Unis cet automne, planent aussi dans l’air. «Pascale a beaucoup aimé jouer avec eux et a lancé l’idée d’une première partie pour sa prochaine tournée», confie Samson. Mais au moment d’aller écouter ces trois drilles faire claquer leurs cordes claires dans l’antre de Dupont-Hébert, boulevard Saint-Laurent, jeudi dernier, rien n’était encore coulé dans le béton. Entre-temps, leur disque atterrira sur les tablettes des disquaires dès le 5 mai.

Joyeuse contorsion musicale, donc, que cette première mouture sur disque des Lost Fingers. Des doigts agiles et moqueurs, évadés dans une décennie musicale qui était presque reléguée aux oubliettes. Parions que Django rira dans sa tombe.

Entre Tawfik Ouldammar et le jazz, c’est une longue histoire d’amour, qui n’en finit pas de se renouveler. Une romance qui débute dans les années 70 : le jeune homme est alors un fan assidu de concerts de jazz régulièrement donnés dans les bases militaires américaines installées au Maroc, des soirées gratuites où les novices pouvaient se frotter à des musiciens plus expérimentés.

Il en gardera à jamais une passion pour la musique des la Nouvelle-Orléans, qu’il décide de satisfaire non seulement en tant que mélomane, mais aussi comme musicien. Et pour Tawfik, ce sera le piano, instrument-étalon sur lequel il jette son dévolu en autodidacte, s’exerçant sur ses coups de cœur en notes, de Petrucciani à Chick Corea, en passant par Herbie Hancock.

Des références du jazz classique et libre, qu’il emmène dans ses valises pour s’installer à Toulouse, en France, où il poursuit des études d’architecture. Dans la ville rose, il tâte quand même du jazz rock, vogue du moment, mais seulement “pour se faire un peu d’argent de poche”. Car en puriste, Ouldammar ne conçoit pas le jazz comme une musique festive, ni le piano, “instrument qui se suffit à lui-même”, comme un simple outil d’accompagnement.

Dès son retour au Maroc, en 1980, l’homme s’attelle à développer sa propre vision du jazz, qu’il veut à la fois minutieux et novateur. Hermétique aux clichés, il refuse ainsi que le piano soit étroitement associé aux rythmiques occidentales. Il n’hésite pas à en distiller des harmonies orientales et des musiques “exotiques”, sans céder à la tentation du faux métissage et du folklore facile. “Aujourd’hui, toutes ces musiques qu’on appelle fusion se résument à de simples collages. C’est malheureux : la musique n’est pas étudiée et on sent à l’écoute qu’il y a deux mondes qui jouent en même temps”, déplore le pianiste.

Sa quête, ce serait plutôt d’imbriquer les genres, de fondre les styles pour en faire une seule et même musique. Il se lance dans l’exploration des rythmes marocains, des Ahwash aux Issawa, des Gnawa à la musique andalouse, flâne dans un va-et-vient incessant entre les sonorités et les climats, dans le but de faire naître de nouvelles ambiances, couleurs et émotions. “J’œuvre à créer de la musique descriptive. Quand on l’écoute, c’est un peu comme si on lisait un livre”, détaille-t-il.

Tableaux sonores

Des tableaux sonores que Tawfik Ouldammar avoue préférer peindre en solitaire : “Le jazz est pour moi une musique personnelle”, argumente-t-il. Pour autant, le pianiste ne rechigne pas à se faire accompagner, de temps à autre, d’autres musiciens, notamment pour mieux approcher son public. “La présence d’un contrebassiste et de percussions aide les gens à mieux comprendre la musique, à la suivre plus facilement”, justifie-t-il. Il lui est ainsi souvent arrivé de papillonner, d’une formation à l’autre, le temps de développer un nouveau son, une nouvelle approche du jazz.

Après Jamaâ El Fna, enregistré en quartet, dans un style que ne renierait pas un Keith Jarrett, le pianiste se réfugie à nouveau dans sa tour d’ivoire, opérant un retour au sacro-saint instrumental. En naîtra un second album, 100% solo, intitulé Evasoudaya, que Ouldammar sortira bientôt en autoproduction. Au programme : de l’évasion, comme le suggère le titre, mais surtout une approche différente de l’écriture musicale et de sa complexité. Une musique conceptuelle, où le compositeur s’applique, en bon architecte, à construire tout un univers autour de son idée mélodique. Soucieux d’expliciter ses démarches, Ouldammar joint des commentaires écrits à ses pièces musicales et s’abandonne à des analyses quasi philosophiques. “La musique doit échapper à tout conservatisme et s’inscrire dans une démarche dynamique qui favorise le dialogue et stimule l’originalité”, écrit-il dans le texte de présentation de l’album. Des mots (“parce qu’on ne peut pas tout écrire en musique”, explique-t-il) qui accompagnent les partitions, comme pour exprimer avec le plus de justesse possible l’idée, l’émotion qu’il entend faire passer, avant de laisser parler la musique. “En matière de jazz, un enregistrement permet, contrairement aux partitions, de laisser sa trace. Une trace fidèle, que d’autres pianistes pérenniseront. Peut-être”.

Quintet en concert le 25 Apr 2008 à 20:30

Petit-Journal Saint-Michel
71 boulevard Saint-Michel
75006 Paris France
Cliquer ici pour voir la carte.

“Blues Pastel”, titre ironique pour un album dont le répertoire n’est que partiellement composé de blues mais dont chaque morceau est empreint de sa force et de sa douleur.

Les interprétations de Nina Simone sont puissantes, de grandes envolées pianistiques aux rythmes proches de la transe, le grain si particulier de sa voix charnelle, profonde, oscillant entre velours et âpreté.

Elle narre l’amour déçu, la faiblesse des hommes, la bassesse de la nature humaine avec un ton acide et corrosif, trahissant les blessures et l’amertume de sa communauté pour qui elle n’hésite pas à s’engager. Car toujours, à l’époque des mouvements de revendications noires, le blues de la Diva révoltée se fait l’écho de sa conscience politique tranchante et de son implication dans les combats pour les droits civiques.

Ici, la grande prêtresse se montre sous toutes ses facettes : sereine, militante, émouvante, révoltée.

Elle arrache les tripes, l’âme et le cœur pour envahir les moindres recoins de l’être et le laisser dans un absolu abandon.

écoutez:

e jazz est un genre de musique né aux États-Unis au début du XX^e siècle. Issu du croisement du blues, du ragtime et de la musique européenne, le jazz est considéré comme la première forme artistique à s’être développée aux États-Unis.

Étymologies du mot Jazz

Au delà de la difficulté à définir précisément la musique qu’il désigne, l’origine du mot jazz est elle-même sujette à controverses. Les hypothèses avancées quant aux origines de ce nom sont multiples et aucune ne semble faire l’unanimité. Le mot jazz pourrait être dérivé du nom de musiciens (comme Chas Washington) ; de l’argot avec des connotations sexuelles ou qui indiquent l’énergie ou la force ; du jasmin que l’industrie cosmétique française avait utilisé dans ses parfums, qui étaient vendus à Nouvelle-Orléans (une théorie de Garvin Bushell) ; d’une déformation du chassé ou chasse-beau, figure du cakewalk (danse du gâteau, à la mode au XIX^e siècle), ou des racines africaines comme le mot bantou jaja (« danser », « jouer de la musique »), sur le terme africain jasi (« être excité ») ou jaiza (« son lointain des percussions »). La dernière appellation viendrait des certaines tribus indonésiennes qui appelaient “jaze baqti” une musique rythmée…

Les recherches de Gerald Cohen indiquent que le mot apparaît pour la première fois sous la plume de E. T. « Scoop » Gleeson dans le San Francisco bulletin en mars 1913. Il appartient alors au jargon du baseball pour désigner l’énergie d’un joueur. Le mot aurait été employé pour qualifier la musique du groupe d’Art Hickman qui jouait dans le camp d’entraînement des San Francisco Seals. Le groupe endossa l’adjectif lors de ses engagements à New York en 1914 et le terme se répandit progressivement jusqu’à Chicago avant de revenir en Nouvelle-Orléans sous la forme d’une lettre de Freddie Keppard à King Oliver qui le popularisera dès 1917 avec son protégé, Louis Armstrong.

Le terme était diversement apprécié des musiciens pour ses connotations scabreuses (Duke Ellington en particulier préférait l’appellation « Negro music »). Durant les années 1930 et 1940, de nombreuses alternatives ont été proposées telles que ragtonia, syncopep, crewcut, Amerimusic, ou encore jarb, sans grand succès. La diffusion du mot « jazz » (bien que sous sa forme Jass) est largement associée à son apparition sur le premier enregistrement du style, en mars 1917 par l’Original Dixieland Jass Band.

Histoire

Louis Armstrong, figure emblématique du Jazz du début du XX^e siècle

Article détaillé : Histoire du jazz.

Le jazz est né aux États-Unis au début du XX^e siècle, d’un mélange de musiques élaborées par les noirs américains. Ses ancêtres sont les work songs, chants de travail des esclaves africains et les chants religieux, negro spirituals et gospel, chantés dans les églises lors des cérémonies religieuses. Au début du XX^e siècle, le blues se développe dans le Delta du Mississippi et est largement diffusé à partir de 1920 et le premier enregistrement de Mamie Smith.

Parallèlement, le ragtime apparaît, style de piano incarné par Scott Joplin, musique syncopée influencée par la musique classique occidentale. Dans les années 1920, le stride se développe à Harlem. Héritier du ragtime, le stride introduit l’utilisation d’une pulsation ternaire, et la virtuosité des musiciens augmente, comme par exemple chez James P. Johnson. Le boogie-woogie se développe à la même époque à Chicago.

C’est à la Nouvelle-Orléans que l’on fait en général naître le jazz, avec les formations orchestrales des « brass bands », mélange de marches militaires revisitées par les noirs américains et les créoles, qui privilégie l’expression collective. Le premier enregistrement de jazz voit le jour en mars 1917 par l’Original Dixieland Jass Band. Autoproclamé inventeur du jazz, Jelly Roll Morton est en effet un passeur entre ragtime et jazz, mais ce sont Kid Ory, Sydney Bechet et surtout Louis Armstrong qui s’imposent comme les grands solistes des formations Nouvelle-Orléans, ce dernier ouvrant avec ses solos la porte à l’ère du Swing.

Considéré comme l’âge d’or du jazz, apparu vers les années 30, le swing (ou middle jazz) se démarque du jazz Nouvelle-Orléans par un orchestre de plus grande taille, et privilégie les solistes au détriment de l’expression collective. C’est l’ère des big bands de Duke Ellington, Count Basie, Glenn Miller, avec un répertoire marqué par les compositions de George Gershwin, Cole Porter, Richard Rodgers etc. et les chansons de variété de Tin Pan Alley, qui forment l’ossature des standards de jazz. Les grands solistes de cette époque sont Coleman Hawkins et Lester Young.

Au début des années 40 naît le bebop. Tempos ultra rapides, petites formations, virtuosité époustouflante, innovations harmoniques et rythmiques, la rupture est brutale et emmenée par Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk. L’intellectualisation du jazz par le bebop ne sera pas toujours bien perçue par le public et certains critiques, notamment Hugues Panassié en France sera particulièrement virulent contre cette nouvelle forme de jazz.

Vers les années 50 apparaissent des évolutions au bebop, comme le cool et le Hard bop. Le cool et le jazz West Coast regroupent des évolutions du bop moins marquées par le rythme, et généralement faites par des Blancs. Les four Brothers de Jimmy Giuffre, les innovations de Lennie Tristano et la collaboration entre Miles Davis et Gil Evans sont généralement regroupées sous cette bannière. Au contraire, le hard bop est plutôt un mouvement noir, visant à ré-introduire plus de soul et de blues dans le bop, et pour qui l’aspect rythmique est prédominant. Art Blakey, Horace Silver ou Sonny Rollins y participent. D’autres personnalités inclassables émergent: Bill Evans, Charles Mingus, Oscar Peterson…

A la fin des années 50, les structures harmoniques et l’improvisation sont portées à leurs limites par John Coltrane. Emmenés par Coltrane et Ornette Coleman les musiciens bouleversent la structure musicale et les techniques instrumentales. La grille harmonique, le rythme régulier, et même le thème sont supprimés, au profit d’improvisations collectives, la prédominance de l’énergie, et l’utilisation de techniques non conventionnelles (suraigus, growl, cris, slaps, « sons sales », voire bruitistes, c’est la naissance du free jazz. Les réactions des critiques à cette nouvelle forme de jazz sont féroces, et le public beaucoup moins nombreux à suivre cette musique nouvelle.

Dès les années 60, et surtout les années 70, s’amorcent des mouvements de fusion entre le jazz et d’autres courants musicaux, le jazz et la musique latine donne le latin jazz, mais surtout la fusion entre le jazz et le rock, le jazz-rock, qui remporte l’adhésion du public. Les grandes figures en sont Miles davis et le groupe Weather Report. Au même moment, la création de la maison de disques ECM à Munich participe à la création et à la diffusion d’un jazz plus « européen », aux sonorités plus feutrées et subtiles, inspiré par la musique classique, la musique contemporaine et les musiques du monde. Jan Garbarek, John Surman, Louis Sclavis, Kenny Wheeler en sont quelques représentants.

Les caractères clés du jazz Le jazz est un mélange de courants musicaux très divers et au cours de son évolution, il a su intégrer de nombreuses influences et se prêter à de nombreux métissages, comme le blues, le rock, la musique latine, le world-beat, et ainsi de suite.

Du point de vue de la technique musicale, sa richesse et sa complexité sont aujourd’hui telles qu’il est difficile de décrire précisément ce qui le caractérise, parce que le jazz comprend une grande variété de sous-types, comme traditionnelle, be-bop, fusion, free-jazz, etc.

D’après Travis Jackson, on pourrait définir le jazz d’une façon plus “ouverte”, en disant que le jazz (soit qu’on parle de swing, fusion, ou latin-jazz) est une musique qui inclut souvent des qualités comme le swing, l’improvisation, l’interaction en groupe, le développement d’une voix individuelle comme artiste, et être “ouverte” aux diverses possibilités musicales. ^[1]

Les éléments distinctifs suivants dans la majorité des styles de jazz :

• Swing : une notion un peu abstraite qui signifie que la musique jouée atteint une sorte de “moment de grâce” assez difficile à expliquer concrètement. C’est le moment où la musique, le “feel”, et l’interaction entre les musiciens décollent ;
• Improvisation : un processus par lequel le musicien de jazz crée ou produit une œuvre musicale spontanée en se servant de sa créativité dans l’instant et de son savoir technique et théorique des divers styles de jazz ;
• l’interaction en groupe ;
• le développement d’une voix individuelle comme artiste (Sonorité et phrasé): les musiciens de jazz sont souvent à la recherche de l’expression musicale individuelle, innovatrice et créative ;
• être “ouverte” aux diverses possibilités musicales ;
• Standard de jazz : les morceaux bien connus, pour la plupart issus des comédies musicales de Broadway, qui ont acquis une certaine notoriété via ces films, qui font l’objet de nombreuses reprises et sont joués lors des jam sessions (p. ex., All of Me, Autumn Leaves, Mack the Knife, Summertime, etc.).